Una de las canciones más populares de la música surf de los años 60, el “Miserlou” de Dick Dale and The Delto Nes, volvió a difundirse entre las nuevas generaciones a medidados de la última década del siglo XX. Y fue gracias a Quentin Tarantino y a su film ‘Pulp Fiction’. Uno de los temas principales de la película era este instrumental surfero que protagoniza uno de los guitarristas más singulares del mundo: Dick Dale. Una buena forma de aproximarse al surf instrumental y nada mejor que hacerlo en verano.

Uno de los primeros contactos que el público tuvo con la primera entrega de ‘Matrix’ fue a través del videoclip de “Rock is Dead”, de Marilyn Manson. En él se podían ver escenas de un film que acabó revolucionando el cine e incluso las retransmisiones deportivas televisivas. Y es que la primera parte de esta trilogía nos dejó con la boca abierta, lástima que las siguientes partes no fuesen tan sorprendentes.
La banda sonora mezclaba a formaciones de rock con otras procedentes del mundo de la electrónica y con las que se dedicaban a mezclar ambos estilos. Encontramos a Rob Zombie, Rammstein, Prodigy, Monster Magnet, Ministry, Meat Beat Manifesto, y a Marilyn Mason, que estaba en plena etapa andrógena. La canción es uno de los temas principales que contenía el irregular ‘Mechanical Animals’.

Una de las bandas que mejor ha sabido interpretar y, sobre todo, representar a la juventud desencantada, pasota, pero marchosa, fueron los Ramones. Ellos no eran unos punks de ir a las barricadas, sino de los que cambiaban aburrimiento por diversión. ‘Rock and Roll High School’, que Roger Corman produjo y Allan Akrush dirigió en 1979, contaba con los Ramones como gran reclamo en lo musical, ya que el cuarteto neoyorquino compuso esta canción para la película. Un film que contó como actores extras con los miembros de otra de las bandas punks más importantes de la historia, aunque desconocidas, hablamos de The Germs.
En la BSO hay un poco de todo. De Chuck Berry a Devo, pasando por Alice Cooper, Fleetwod Mac, Nick Love y su “So It Goes, Brian Eno o Paul McCartney. Los Ramones estaban comenzando a hacerse un hueco, y a vender discos, pero este single no estuvo acompañado del éxito ni el mercado estadounidense, ni siquiera llegó a entrar en el top-100, ni en el anglosajón, donde ocupó una discreta posición 67. Con los meses, la canción volvería a ser grabada para ser incluida en “End of the Century” y Phil Spector, con su sabiduría, sacó un mejor resultado.

“The End” de The Doors es una canción que refleja perfectamente la unión entre música y cine. De hecho, la canción, su música, ha quedado asociada a ‘Apocalypse Now’, de Francis Ford Coppola. El film, que fue grabado en 1979 y obligó a Coppola a hipotecarse para sacar adelante el proyecto, comienza con “The End” de The Doors.
Las imágenes de la guerra de Vietnam llegan a la cabeza del capitán Benjamin L. Willard, interpretado por Martin Sheen. Guerra, destrucción, bombardeos, helicópteros sobrevolando la jungla vietnamita, son los recuerdos que invaden al militar mientras intenta descansar en una habitación de Saigon, antes de que recibir el encargo de buscar y asesinar al disidente coronel Kurtz.
La música de la canción fue convenientemente adaptada. Hay fragmentos sonoros, sonidos de la jungla o de los helicópteros volando, que se incluyen en la adaptación cinematográfica del clásico de The Doors. También se varió la línea vocal original.
El tema que fue incluido en su homónimo disco de debut y fue escrita por Jim Morrison cuando éste finalizó una relación amorosa. La extensión de la canción ha dado para muchas versionesa. Desde la original, cuya duración roza los 12 minutos, a las interminables versiones en directo, pasando por un recorte de minutado para la versión recortada para la edición de los “mejores singles” o la nueva mezcla creada ex profeso para “Apocalypse Now”.

Martin Scorsese y la música mantienen una relación idílica desde los primeros pasos del director italoamericano. Nos ha deleitado como su saga sobre el blues, en la que también colaboran otros directores como Wim Wenders o Clint Eastwood, o con ‘Shine a Light’ de Rolling Stones. Su pasión por la música también se ha filtrado en las bandas sonoras de sus películas. ‘Goodfellas’, o ‘Uno de los nuestros’ como se conoce en España, no sólo presenta un gran reparto de actores -Robert De Niro, Joe Pesci y Ray Liotta-, sino que la ambientación sonora también es inmejorable.
Dentro de la selección, en la que se encuentran Muddy Waters, Cream, Aretha Franklin, o The Shangri-Las, destaca uno de los grandes clásicos de los años 70: “Layla”, de Derek & The Dominos. Nombre bajo el que se ocultaba uno de los grandes maestros de la guitarra eléctrica: Eric Clapton. Tras demostrar su talento en Yardbirds, Blind Faith y Cream, Eric ‘Slowhand’ Clapton comenzó su carrera en solitario bajo la denominación de Derek & The Dominos. Su primer disco, gracias a “Layla”, se convirtió en un éxito, aunque sus escarceos con el alcohol y la heroína le impidieron prorrogar este proyecto.

Corrían los años cincuenta. Algo se estaba moviendo entre una juventud que no había conocido la guerra y que estaba harta su recuerdo y de un mundo en crisis con poco o ningún futuro. Un abismo generacional hasta entonces insólito se había abierto entre estos muchachos y sus padres. Su angustia, su desesperación, su rabia y su frustración buscaban vías de escape. Y un tipo de ritmo frenético derivado del blues, despreciado por los adultos por sus raíces negras, por provenir de arrabales y prostíbulos, por incitar al baile, al alcohol, a la droga y al desenfreno sexual, a la diversión al fin, iba a sublimar todo aquello.
En la película de 1955 “The Blackboard Jungle”, rebautizada por la censura española como “Semilla de Maldad”, los chavales verían asombrados cómo un tema de ese incipiente e imparable movimiento aparecía en pantalla, a todo volumen, sin que nadie pudiera gritarles que lo apagaran, pegándolos en el asiento y reconociéndolos como algo más, no como meros esbozos del detestado mundo adulto, sino como destinatarios finales, como sujetos de algo más grande, como protagonistas de una nueva era. Para muchos historiadores, el momento preciso en el que por vez primera sonara el tema de Bill Haley y sus Comets “Rock Around The Clock” mientras aparecían las primeras letras en la pantalla en la oscuridad de la sala señaló el nacimiento de toda una nueva manera de entender la juventud y la existencia: el Rock and Roll.

‘Reservoir Dogs’ fue una película que revolucionó la industria cinematográfica de la década de los años 90 y supuso una aire fresco dentro del aburrido cine que se estaba desarrollando en Hollywood. Una película diferente que incluía una escena en la que Michael Madsen -Mr. Blonde- torturaba a un policía atado a una silla. Una tortura que se desarrollaba con una canción de fondo, el viejo éxito de Stealers Wheel, “Stuck in the Middle With You”. Un tremendo contraste entre la violenta escena y la alegre y melódica tonadilla que suena de fondo, que permite al bueno de Michael Madsen echarse unos bailes, tararear el estribillo mientras destripa a un madero con una navaja de afeitar.

1995 fue un buen año para las bandas sonoras del cine nacional. Si al final del curso, llegando a Navidad, Álex de la Iglesia y Def Con Dos nos sorprendieron con su “Día de la Bestia”, unos meses antes, en primavera, Montxo Armendáriz trasladaba al cine la novela ‘Historias del Kronen’, de José Ángel Mañas. Una historia de jóvenes que buscan su hueco en la sociedad. Todos, absolutamente todos, intentan evadirse de sus vidas cotidianas mediante el uso, y abuso, del alcohol, las drogas, y el sexo. Para no echar nada en falta, la cinta viene acompañada de una excelente banda sonora. Y es que el rock and roll no podía falta en esta juvenil combinación.
La banda sonora está compuesta fundamentalmente por bandas nacionales. En ella se incluyen alguno de los éxitos nacionales de mediados de la década de los 90, como el “Hartos de Aguantar” de Reincidentes o el tarareable “Chup Chup” de Australian Blonde. Además encontramos a otros de los reyes del indie patrio, El Inquilino Comunista, a los británicos Terrorvision, que ese año arrasaron con “Oblivion”, que estaba incluido en el tremendo “How to Make Friends and Influence People”. Pero, sobre todo, destacan dos temas de los vizcainos M.C.D., especialmente “No Hay Sitio Para Ti”. Esta frase resumía perfectamente lo que sentía el grupo de protagonistas de la obra y también era una de las nuevas tonadillas del grupo en el que militaban dos de los miembros de la citada cuadrilla. Además, a lo largo del film se puede ver la interpretación que la banda hace de esta canción. Una interpretación que nos permite ver a Jordi Mollá aporrerar como un poseso la batería.

Álex de la Iglesia últimamente reflexiona mucho sobre la crisis del cine español, sobre la necesidad de variar la política de subvenciones de las obras cinematrográficas, y muy probablemente se acuerda del film que le dio a conocer al público: El Día de la Bestia. Una película que también sirvió para relanzar la carrera de sus dos protagonistas: Álex Angulo -el padre Berriatúa- y Santiago Segura -un deathmetalero de Carabanchel que trabajaba una tienda de discos-. Ambos, con la ayuda de un futurólogo televisivo, emprenderán una lisérgica, a la par que divertida, búsqueda del Anticristo, que se supone que iba a nacer en Madrid, más en concreto, en las Torrees Kio.
La película se convirtió en un éxito de taquilla y el tema central de su B.S.O. fue compuesto e interpretado por Def Con Dos, que en aquel 1995 también comenzaban gracias a su último disco Alzheimer, que había sido publicado en la primavera de este mismo año. Gracias al éxito de la cinta de Álex de la Iglesia, Def Con Dos comenzaron a llegar también al gran público gracias a esta canción. Una canción que además era el estandarte de una banda sonora que juntaba a bandas nacionales, como Ktulu, Pleasure Fuckers, Extremoduro, Negu Gorriak, Parálisis Permanente, Eskorbuto, Soziedad Alkoholika, o Siniestro Total, con otras internacionales del calibre de Ministry, Pantera o Sugar Ray.

10 millones de dólares de presupuesto. ¿Recaudación? 101 Millones!!! American Pie (estrenada un 9 de julio del 99) se conviertió en la comedia adolescente del año y en todo un fenómeno de masas. La virginidad juvenil nunca se había tratado desde una perspectiva tan cómica y absurda lo cual llevó a millones de personas a ver las aventuras de estos cuatro “losers” en potencia.
Dirigida por Paul Weitz y protagonizada por Jason Biggs, Chris Klein, Thomas Ian Nicholas, Alyson Hannigan, Shannon Elizabeth y Seann William Scott (el gran Stifler), entre otros, American Pie refleja, en tono de humor, la desesperación juvenil por perder la virginidad, por tener ese primer encuentro sexual recurriendo a lo que sea, y aquello justó y mucho.
Por la misma época un grupo del que nadie había oído hablar sacaba ‘Enema To The State’. Aunque un poco más mayorcitos, Blink 182 se convertían, con temas como “What’s My Age Again?” o “All the Small Things”, en estandartes de toda esa generación, mientras ponían de moda de nuevo el Punk más gamberro y desvergonzado. Dentro de ese disco se incluía la canción “Mutt” que a la postre terminaría siendo la cabecera de la famosa saga cinematrográfica.
Su aportación al film no sólo se quedó en ceder un tema sino que también participaron en él con un cameo. Aquí podéis ver el recorte “apto para mayores” que circula por la red. Si tenéis la original los veréis cuando Shannon Elizabeth (Nadia) hace su “striptease” y Jason Biggs(Jim) no es capaz de “aguantarse”.